Е.К.АртБюро на ярмарке ярмарке DA!MOSCOW

Лауреат Премии Кандинского’ 2015 в номинации «Проект года».

Родился в 1959 году в Петропавловске-Камчатском. Учился в Школе-студии МХАТ напостановочном факультете (1976 – 1981). Принимая деятельное участие в выставках галереиAPTART, Филиппов стал одним из лидеров нового поколения Московской концептуальной школы,для которого интерес к умозрительным конструкциям был совмещен с пристальным вниманием кдеталям современной социальной реальности. С началом перестройки художник активнозанимается организацией «Клуба авангардистов» – первой институции нового, свободногорусского искусства. В 1990 – 2000-е годы Филиппов курировал выставки «Клуба», объединившегомосковских художников-концептуалистов разных поколений.В конце 1980-х Филиппов принимает участие в первых легальных показах актуального русского искусства за рубежом, на которых его эмблематичные инсталляции приобретают статус символовнезависимого искусства из СССР. В частности, речь идет об инсталляции «Тайная вечеря», впервые экспонировавшейся на выставке «Mosca – Terza Roma» (Рим, 1989). Название этой выставки былозаимствовано непосредственно у Филиппова, для творчества которого историческая игеополитическая идея Москвы как Третьего Рима является основополагающей.Одним из важнейших символов в творчестве художника являются двуглавые орлики. "Соединяя всебе черты геральдики, античной и христианской символики с современными мифологемами, ониумножают смыслы, расширяя границы времени и пространства. Священная птица Юпитерапревращается в двуглавого орла, не столько символ русской государственности, но в некиймифологический имперский знак, герб "метафизического Рима" – отмечает искусствовед икуратор Александра Данилова в одной из своих статей. Работы Филиппова, представленные на стенде Е.К.АртБюро – это знаковые вещи, созданныеавтором с 1980-х годов по наше время. Мы уверены, что они прекрасно дополнят как частное, таки музейное собрание.

Родился в Москве в 1965 году. Обучался в детской художественной школе Краснопресненскогорайона.Член группы "Чемпионы мира" (псевдоним – Людвигов) с 1986 по 1988 год.Один из учредителей и бессменный председатель Клуба авангардистов (КЛАВА).Работал в мастерских на Фурманном и на Чистых прудах, принимал участие во всех легендарныхперестроечных выставках – «Творческая атмосфера и художественный процесс», «Баня»,«Перспективы концептуализма», «Дорогое искусство», в 1990 году – в секции APERTOВенецианской биеннале, «Between Spring and Summer. Soviet Art in the Era of Late Communism», «AMosca... A Mosca...» и других.Автор инсталляции «Счастье не за горами», ставшей символом города Пермь.Работы, выбранные для показа на стенде Е.К.АртБюро, созданы художником в период с 1989 по2016 год и охватывают продолжительный период творчества Бориса Матросова. Внимательныйзритель может проследить, как менялся авторский стиль художника и найти те произведения,которые войдут в его коллекцию.

Родился в 1951 году во Львове. Художник.Как рассказывает сам Николай Филатов, его увлечение художественными практиками началось в1970-х: «…я сидел перед телевизором и через антенну смотрел Польшу, Чехословакию. Мутное освещение экрана было единственной формой контакта с внешним миром и тем фоном,благодаря которому я начал заниматься искусством». В начале 80-х он переезжаем в Москву, где начинает выставлять свои работы на однодневных выставках в «Клубе скульпторов» на Кузнецком мосту. Там он познакомился с Андреем Ройтером и Германом Виноградовым, вместе с которыми создал объединение «Детский сад». «Художников объединило не «единое и верное учение», но попытка уже тогда реализовать идею плюралистического, терпимого отношения по принцип у художественного дарования. В «Детском саду» не было единства жанра, «общего оркестра», там проходили фестивали питерского искусства, выставки Копыстянских, Шутова, в нем впервые стали функционировать как художники Сергей Волков, Анатолий Журавлев. Другими словами, случайно сойдясь в 1984 году в помещении детского сада № 395 в Хохловском переулке, дом 4, и став сторожами, мы получили мастерские и возможность хранить работы; сюда стали приходить люди творческой ориентации и обмениваться идеями, что, естественно, долго продолжаться не могло,стычка с властями, которые узнали о существовании такого андеграундного центра искусств, была неизбежна, и осенним днем 21 октября 1986 г. нас рассчитали и с треском вытурили из этого пространства», - вспоминает Николай в интервью Художественному Журналу.После «Детского сада» почти сразу появилось объединение «Эрмитаж», куда Филатов тоже входил до самого закрытия. После этого, как и многие другие художники московского андерграунда, он занял мастерскую в доме в Фурманном переулке и участвовал в торгах Sotheby’s 1988 года. «…эти 80-е годы позволили сформироваться очень сильным и серьезным людям, которые сегодня обозначаются на Западе термином «современное искусство», - вспоминает этот период Филатов.На стенде Е.К.АртБюро мы показываем работы, созданные Николаем Филатовым в конце 1980-хгодов. Как раз в этот момент он работал в мастерской на Фурманном переулке и участвовал в знаковых выставках Московского концептуализма второй волны. Это не просто произведения искусства, а частичка сложной и веселой жизни, которую вели андерграундные художники в то время.

Родился в 1977 году в дальневосточном поселке Лучегорск. Художник.

На вопрос «Как вы стали художником?» Дмитрий отвечает просто: «Ну вот как-то так…» Он родился в небольшом поселке на Дальнем Востоке, и, как он сам рассказывает, было всего два варианта, куда могли отдать учиться ребенка дошкольного возраста – в художественную школу и на танцы. «Художка была дешевле, поэтому мама отвела туда». Там он научился основам рисунка и хотел после школы пойти учиться на дизайнера одежды, но в последний момент снова вмешалась мама – она настояла на том, чтобы в качестве запасного варианта Дмитрий подал документы в Архитектурный институт Дальневосточного Государственного Технического Университета им Куйбышева. Там он выбрал кафедру архитектуры дизайна среды. Правда, дойдя до защиты диплома и представив на предзащите свой проект по переделке заводов в культурные пространства, на защиту так и не пришел. «Мне сказали, что тема не актуальна – кому вообще надо заводы переделывать. Работают и работают. Кто же знал, что все так обернется…», - шутит Дмитрий.

В конце 2000-х он переезжает решается на переезд в столицу. Тут он сначала няней, потом в магазине игрушек и мастерской по изготовлению костюмов для исторических реконструкторов. Все это время Дмитрий Ляшенко не перестает искать себя в творчестве – увлекается музыкой и подрабатывает ди-джеем, пишет картины для себя, участвует в конкурсах, правда, занимает везде 2-е места.

В 2011 году Дмитрий поступает в «Свободные мастерские» при ММОМА. Там он знакомиться с арт-Москвой и начинает участвовать в выставках. Его работы привлекают внимание своей актуальность, многогранностью смыслов и сложностью техники. Дмитрий долго выбирает сюжет для будущего произведения, рисует не один эскиз, прежде чем перенести его на холст. Как он сам признается, на создание одной работы у него легко может уйти 2 года. Но результат того стоит!

Е.К.АртБюро представляет последнюю серию его работ, посвященную космосу. Она была показана на выставке «#луна_наша» в Фонде культуры «ЕКАТЕРИНА». Эта серия о том, что человек не в состоянии сбежать от самого себя, куда бы не отправился, даже на Луну. Сюжеты для своих картин он черпал из известных изображений, но перенес их на Луну в прямом смысле этого слова. Серый пейзаж сразу меняет контекст, а скафандр максимально разъединяет героев, оставляя их в одиночном «коконе». Художник видит в людях лучшее и надеется, что это вынужденное одиночество и неизбежная рефлексия заставить их отказаться от бессмысленных конфликтов и бездумного потребления. Но не лучше ли это сделать сейчас, пока не настала эпоха «вынужденного переселения»?

Родилась в Махачкале 1954 году в семье художника Мая Митурич-Хлебникова. Художник.Уже в 1955 годах семья перебралась в Москву, где с 1965 по 1972 год ходила в Московскую среднюю художественную школу, а в 1977 году окончила факультет художественно-графического оформления печатной продукции Московского полиграфического института. В 90-х годах преподавала в нем на кафедре рисунка, живописи и композиции.Не стать художницей Вера просто не могла, ведь это фактически семейная профессия: отец, Май Митурич-Хлебников, известный график, дед Петр Митурич, бабушка Вера Хлебникова –художники, а двоюродный дед сам Велимир Хлебников. Конечно, хорошо, когда за спиной такие известные фамилии, но есть и определенные ожидания, которые на тебя возлагает семья иобщество. В одном из интервью Вера вспоминает, что на первых выставках, куда она давала свои работы, ее сразу стали сравнивать с отцом. Тогда, чтобы как-то отделиться, она стала подписываться Верой Хлебниковой, но и тут была ловушка, ведь нужно было объяснить, что она Вера Хлебникова-вторая.После окончания Полиграфического института Вера начала работать в жанре «книга художника» иколлажа. Именно он помог ей отстроиться от известных родственников и продолжить семейную линию в новом формате. Так появилась одна из первых ее книг «Доро…» по первым буквам слова«Дорогой», которое пишут обычно в начале письма. Она была собрана из семейных архивных материалов по ветке Митуричей – Санкт-Петербургских архитекторов. Эта же книга оказалась в шорт-листе премии Андрея Белого, но победил тогда Эдуард Лимонов. «Но это не важно. Мне очень важно то, что пафос, который был вложен в книгу, был прочитан» - говорит Вера.После этого ей в руки стали попадать самые разные архивы, из которых она стала вычленять портреты и судьбы авторов писем.  «Чьи-то архивы после смерти хозяина попадаютв музей, а кто-то умирает — и все выкидывают. Если все эти бумаги не сохранятся — человек перестает существовать», - так объясняет художница свою любовь к воссозданию человеческих образов и судеб через обрывки фраз на бумаге.Перед вами – одна из таких работ Веры Хлебниковой. «Женщина, занимающаяся искусством…»могло бы быть названием объявления в газете или на фонарном столбе. Но кто она? Чего ищет и зачем дает эти объявления? На каждой странице художница рассказывает нам историю этойженщины и приглашает заглянуть в ее личное пространство.

Родилась в 1980 году в Москве. Окончила факультет скульптуры МГАХИ им. В.И. Сурикова (мастерская М.В. Переяславца). С 1999 года принимает участие в различных выставочных проектах, таких как Международный фестиваль современного искусства «Арт-Клязьма», Ширяевская биеннале современного искусства (Самарская обл.), проекты в рамках Международной ярмарки современного искусства «Арт-Москва», «Говорит Москва» (Фонд культуры «Екатерина», Москва, 2014) и др.

В 2008 году окончила курс обучения в Институте Проблем Современного Искусства (ИСИ).

Одной из «визитных карточек» Юлии на арт-сцене стал образ пионеров. Все они являются символом глобальных и личных изменений, произошедших в жизни каждого жителя нашей страны. Ее герои застыли в прошлом и с надеждой глядят в будущее.

За основу она берет собственный опыт, вспоминая себя в подростковом возрасте, когда она была юной пионеркой в стране, уже начинавшей претерпевать колоссальные изменения — в Советском Союзе 80-х годов.

Юлия Жданова вспоминает: «Я и мои товарищи были молодыми советскими пионерами. Юные девушки, воспитанные на примере духа и ценностей коммунистической партии Советского Союза. Несмотря на это, мы все сталкивались с типичным стрессом подростковых переживаний. Мы хотели бы, чтобы нас рассматривали в качестве зрелых, взрослых. Мы хотели свободы». Личные переживаниям подросткового возраста художницы пришлись на время глобального перелома: ценности коммунистической партии, сама страна начали меняться. «Советский Союз находился в состоянии упадка в конце 1980-х годов. Гласность и Перестройка Горбачева пришли неуверенно и слишком поздно, чтобы спасти коммунистическую империю. Общество столкнулось с тем, к чему оно было совершенно не готово: быстрое преобразование из контролируемой государством, командной экономики к капитализму свободного рынка. Любой гражданин бывшего СССР знает — этот момент стал некой интерлюдией перед вступлением в эпоху хаоса и невероятных трудностей. Серия «Юные пионеры» — это попытка захватить эту драму, неустойчивость и борьбу в жизни любой девушки, переживающие это вдвойне трудное время перемен: подростка и гражданина, который пережил один из тяжелейших периодов в истории — трагический распад Советского Союза…» — говорит художница.

Родилась в Москве в семье архитекторов, училась в Московской средней художественной школе,окончила Московский государственный художественный институт им. В.И.Сурикова (факультет живописи исценографии). Живописец, график, автор объектов, книжный иллюстратор.С конца 70-хгодов входит в круг Московской концептуальной школы, принимает участие в деятельностигруппы «Коллективные действия». Принимала участие в первой выставке знаменитой квартирной галерееАПТАРТ в1982 году.Член Клуба авангардистов (КЛАВА).Участвовала во всех знаменитых перестроечных выставках – 1-ой и 2-ой выставках Клуба авангардистов,«Дорогое искусство», «Перспективы концептуализма», «Шизокитай: галюцинация у власти», выставках«Первой галереи» и других.Одной из центральных линий творчества Марии Константиновой можно смело назвать историю искусств, онаработает в непрерывной диалоге с «культурным слоем» разных времен и народов, обращаясь как к темам,так и к методам различных эпох и народов, и создавая художественное точное современное высказывание.Произведения, выбранные Е.К.АртБюро для стенда на DA!MOSCOW, не случайны. На наш взглядименно эти работы наиболее полно отражают творчество Марии Константиновой. Еесложносочиненные орнаменты будто бы гипнотизируют, а скульптуры из муранского стеклапритягивают своей многослойностью.

Родился в 1956 году в Казани. Художник.

В родном городе Сергей окончил Казанский инженерно-строительный институт. В 1980-х годах он перебрался в Москву, где был принят в сообщество концептуалистов. Довольно быстро он завоевал славу одного из самых ярких художников этого направления. В 1988 году его работы были выставлены на легендарном московском аукционе Sotheby’s, а в 1990-м он представлял Россию на Венецианской биеннале.

Художественный взгляд Сергея Волкова начал складываться еще в 1970-х, когда он разглядывал репродукции Ильи Кабакова и Эрика Булатова. Он мечтал попасть в ту среду, где возможны эти художественные практики. Его раннее творчество было пропитано влиянием круга московских концептуалистов, но вскоре ему стало тесно в рамках одной школы. В его работах появляется некий метафизический смысл.

«Художники моего поколения пытаются загнать искусство в форму, которая может адекватно представить локализованные условия коллективного сознания. Мои картины с одной стороны ссылаются на пост-Сезанновскую живопись официальной московской школы, а с другой стороны на плохо подкрашенные залы, коридоры и комнаты, которые являлись фоном нашей ежедневной советской действительности», - так он сам описывает свои произведения.

Он постоянно экспериментировал с материалами – начинал как фотограф, потом работал как живописец, делал объекты из пыли, рисовал мелом на школьных досках, создавал инсталляции из огромных неваляшек, печатал на холстах компьютерную графику… Большинство его работ наполнены идеей уязвимости и эфемерности искусства – что такое пыль? Или мел на доске? Это то, что уже через несколько секунд будет стерто, уничтожено. Именно этот момент мимолетного присутствия и интересует Волкова.

Е.К.АртБюро представляет его работу «Грамота» 1989 года. В ней чувствуется еще сильное влияние концептуальной школы, однако уже можно уловить авторский поиск нового языка. Само слово «грамота» имеет множество значений – от умения читать и писать до официального документа, отмечающего заслуги. Холст Волкова как бы примиряет эту множественность – с одной стороны серый цвет «гранита науки» обрамлен в форму гигантского шаблона, в который каждый может «вписать» свое имя и за что конкретно его награждают этим предметом искусства.

Художник, куратор. Родилась в Москве, окончила МАРХИ (факультет градостроительства). C 1987 принимала участие в деятельности Инспекции "Медицинская герменевтика". Член Клуба авангардистов (КЛАВА). C 1993 года одна из основателей культурологической художественной лаборатории (совместно с О.Зиангировой и Н.Каменецкой) в Российском Государственном гуманитарном университете. Участник многочисленных групповых и персональных выставок в России и за рубежом.

 «…Одним из ярких примеров таких моих перфомансов был «Цвет супа», состоявшийся в музее Виктории-Альберта в Лондоне 2003. Там я приготовила 5 кастрюль очень ярких по цвету супов: малиновый борщ, красный томатный суп, белый суп из спаржи, зеленые щавелевые щи и оранжевый суп из тыквы. Посетителям я предлагала выбрать суп, либо по его пищевому вкусу, либо по эстетическим соображениям…»

В середине девяностых Мария Чуйкова начала серию перфомансов, связанных с приготовлением пищи. Одновременно она стала создавать картины и графику с рецептами, которые мы и выбрали для стенда Е.К.АртБюро. «…Надо сказать, что меня интересовало не кулинарное искусство, как таковое, а сопоставление процесса создания произведения искусства с приготовлением изысканной еды», - объясняет Мария.  Тут можно вспомнить трактаты Леонардо Да Винчи о том, сколько миллиграммов той или иной краски нужно употребить для создания картины.

Ее, казалось бы, простые графические работы в серии «Рецепты» заставляют нас еще раз задуматься о том, как создаются произведения искусства и какие «ингредиенты» нужно смешать  для того, чтобы появился шедевр – щепотку вдохновения размешать в кастрюле сомнений, кипятить на огне раздумий до полуготовности, процедить через мелкое сито эскизов…  Для многих коллекционеров этот рецепт так и остается загадкой, но произведения Марии Чуйковой приоткрывают внутреннюю кухню художника.

Арт-группа «Перцы» - это Олег Петренко и Людмила Скрипкина, работавшие в дуэте с 1985 по1999 год.Олег Петренко родился в Одессе и стал одним из представителей «одесской волны», захлестнувшей московскую художественную жизнь в 1980-х годах. Он дебютировал на выставке«Москва-Одесса», сразу покорив многих зрителей смесью эстетской холодности и сарказма. В Москву он переехал не один, а с женой Милой (Людмилой). Они обосновались в сквоте на Фурманном переулке, где их сразу же окрестили Перцами. Собственно, такими они и были –острыми на язык, жгучими, яркими. «Их узнаваемый стиль — квинтэссенция эстетического коктейля, получившего на звание "одесский cool". Это соединение несоединимого,изобразительный оксюморон, микс концептуализма и «новой волны»: аналитическая холодность таблиц, покрывавших картины и объекты "Перцев", компенсировалась полной бессмыслицей табличного содержания. Агрессивная визуальность работ группы совмещала иррациональнуюрасслабленность, приближенную к состоянию нирваны, и сюрреалистическую напряженность по-революционному смещенных смыслов», - так пишет искусствовед Александра Обухова об ихработах.Ни одна выставка, претендовавшая на хоть какую-то статусность 1980-90х годов (если можно таквыразиться, говоря о клубе авангардистов) не могла обойтись без работ знаменитых «Перцев».Вот и мы не смогли. На стенде Е.К.АртБюро мы показываем одну из вещей, созданных Олегом иМилой в 1989 году. Все-таки не даром этот микс строгости концептуализма с полной свободой«новой волны» в узких кругах называли «Одеский Cool».

Родился в Москве в 1960 году. Художник, известный широкой публике как автор граффити«Господи! Помоги мне выжить среди этой смертной любви».Свое первое художественное произведение «Суд Пилата» Дмитрий создал в совсем юномвозрасте – ему было 15 лет. Кроме того, в юности он увлекался написанием стихотворений иорганизацией выставок. Он учился рисунку у Михаила Эпштейна, Михаила Панченко и Владимира Овчинникова. В 1979 году он поступил на художественно-графическом факультете МГПИ. В 1986году он организовал в своей квартире галерею «Кварт-Арт», а в 1987 принял участие в первой выставке «Клуба авангардистов». С 1990 года он живет на два города – где-то в пути между Москвой и Берлином.Все, кто хотя бы раз видел произведения Дмитрия Врубеля, с безошибочной точностью найдутего работы среди тысяч похожих. Четкие линии, уверенные штрихи и эмоциональные сюжеты,наполненные бесконечным множеством смыслов – это те слова, которые приходят в голову вкачестве ассоциаций с творчеством художника. Однако, работа, которую Е.К.АртБюро показываетна DA!MOSCOW может показаться нетипичной для тех, кто знаком с поздним его творчеством. Холст «Любимая, дай!» был написан еще в середине 1980-х годов, во время активного участияВрубеля в жизни КЛАВЫ. Каждый волен трактовать смысл этой фразы по-своему, а дляхудожника… Для еще молодого художника – это проверка на прочность художественноготворчества, поиск собственного языка и, конечно же, шутка.

Родился в Москве в 1959 году. Художник, дизайнер, график.В 1966 году вместе с братом-близнецом Владимиром Сергей поступает спецшколу №16. Том он знакомится со Свеном Гундлахом, и эту встречу можно назвать определяющей в его судьбе.Конечно, строить теории и догадки по поводу того «что было бы если бы» - дело неблагодарное,но все же наверняка, если бы они не познакомились в 1966 году, не было бы известной группы«Мухоморы», в которую вошли братья Мироненко, Гундлах, Звездочетов, Каменский и Кара-Мурза. Арт-группа просуществовала целых 6 лет создала такое количество произведений искусства, что искусствоведы и коллекционеры изучают их и по сей день.В 1983 году, когда власти начинают притеснять неофициальных художников, Сергей уезжает в Воркуту, где служит главным художником в Заполярном театре драмы. Однако, уже в 1984 году возвращается в Москву, где продолжает свою художественную деятельность. Одной из самых ярких акций в его творчестве, несомненно является «Президентская кампания». В период перестройки художник резко реагирует на все общественно-политические процессы и в 1988-89годах с лозунгом «Сволочи, во что страну превратили!» предлагает себя в качестве первогосвободного кандидата в президенты СССР. В эти годы и правда проводились выборы, так чтовыдвижение было вполне реальным. Кстати, свою кандидатуру он представил раньше, чемМ.С.Горбачев, чем вызвал новую волну недовольства властей.Е.К.АртБюро сотрудничает с Сергеем Мироненко с начала 2000-х. Мы представляем работы,созданные художником уже в период самостоятельного творчества в 1990-х годах. Мы уверены,что его ирония и тонкий юмор полюбятся зрителю.

Родился в Москве в 1958 году. Художник.С 1976 по 1981 год учился на постановочном факультете Школы-студии МХАТ, где познакомился сАндреем Филипповым, Сергеем и Владимиром Мироненко. Позже они вошли в состав Клуба авангардистов, даже можно сказать одними из создателей. Звездочетов вместе с братьямиМироненко, Свеном Гундлахом, Владимиром Кара-Мурзой и Алексеем Каменским создализнаменитую арт-группу «Мухоморы», которая появилась в 24 марта 1978 года, когда звездочетовпришел на празднование Дня работника хеппенинга и заявил «Братцы, я мухомор!». Ироничныеработы этой арт-группы были высоко оценены зарубежными кураторами, посещавшими в 1980-хгодах сквот на Фурманном переулке.Кроме того, в 1986 году Звездочетов подал идею художникам Борису Матросову и ГииАбрамишвили создать группу «Чемпионы мира». «Например, Дмитрий Пригов, он все-такискульптор по образованию. Кабаков [Илья Кабаков], шестидесятники – они закончилипрофессиональные ВУЗы для художников. У нас же было мало образования. Чемпионы Мира –это детская художественная школа и все», - признался Борис Матросов в интервью изданиюАртУзел, когда речь зашла о «Чемпионах».Константин Звездочетов – генерал московского андергаундного искусства. Он наделал многошума в 1980-х и 1990-х годах. Не случайно работы, выбранные для стенда Е.К.АртБюро выбраныименно из этого веселого периода. Работы Константина Звездочетова того времени – шутка,антитеза серьезности более старшего поколения концептуалистов. Мы уверены, что любительискусства, хотя бы поверхностно знакомый с историй российского искусства второй половины XXвека, не сможет не узнать этого ироничного автора.

Родился в 1976 году в Ленинакане (Гюмри) в Армении. Художник, коллекционер. Занял 27 место вТоп-50 самых влиятельных людей в российском искусстве 2018 года по версии АртГид. Паруйра называют самым молодым представителем аналитической ветви московского концептуализма, хотя сам художник не торопится с определениями. На данный момент онявляется постоянным участником трех творческих групп – «Купидон», «Эдельвейс» и «Царь горы». В составе первой он создает тотальные инсталляции, во второй – перформансы, а в третьей –живописные работы.Давтян в своих художественных практиках исследует само искусство. Его произведения наполнены таким количеством отсылок и цитат, что дать точное определение его стилюневозможно. Зритель видит перед собой странные формы, в которых ему мерещится что-тознакомое. Роль исследователя для него, пожалуй, является ключевой – перебирая разные теориии создавая между ними намеренные «конфликты», Паруйр шаг за шагом приближается кпониманию, что же есть само искусство. Или нет?За свою недолгую карьеру в арт-мире Паруйр завоевал уважение многих известных деятелейискусства. Например, Ольга Свиблова в 2018 году приобрела одну из его работ в личнуюколлекцию на ярмарке CosMoscow. «На самом деле, это шедевры, которые стоят копейки, потомучто 1200 евро для художника, который завтра будет стоить бесконечно. Во-первых, он сневероятным потенциалом и „серьезно“ живёт в искусстве. Все время делает новые серии. Я верюв Паруйр Давтяна, я счастлива и считаю, что умные люди покупают молодых художников, когдаони ничего не стоят», - отметила она.В 2018 году Паруйр Давтян представил проект Фаворский пес на одноименной выставке в ЦТИФабрика. Е.К.АртБюро на своем стенде показывает лишь его фрагмент, однако ценитель искусстваи в нем прочувствует глубину и наполненность каждого элемента, образующего собой огромноецелое полотно.

Никита Алексеев родился 12 января 1953 году в Москве, российский художник, участник группы«Коллективные действия», основатель движения АПТАРТ.С 1973 по 1976 год учился в Московском полиграфическом институте на факультете художественно-технического оформления печатной продукции.В 1969 он познакомился с молодыми поэтами Андреем Монастырским, Николаем Панитковым иЛьвом Рубинштейном. Их объединил интерес к современной поэзии, новым течениям в изобразительном искусстве и музыке (концептуализм, минимализм), философия дзен-буддизма,вообще культура Востока.В начале 1970-х Никита Алексеев знакомится с кругом художников "Сретенского бульвара", особенно его интересует творчество Ильи Кабакова и Ивана Чуйкова. Он участвует в семинарах,устраиваемых в мастерской Кабакова. Тогда же знакомится с Олегом Яковлевым и Михаилом Чернышевым, также повлиявшим на формирование индивидуального стиля. Значительную роль вего становлении как художника сыграло увлечение современной музыкой, причем не толькоминималистической (Дж.Кейдж, Т.Райли), но и новейшими направлениями в рок-музыке (отпрото-панк-рока до Лори Андерсен). В начале 1970-х Н.А. становится известен в Москве как поэт,участвует в "подпольных" чтениях.Свой ранний период самостоятельной работы в качестве художника сам Алексеев определяет как"абстракцию сюрреалистического толка", возникшую на волне увлечения Рене Магриттом.В 1975 вместе с Монастырским, Панитковым и Рубинштейном создает группу, впоследствииполучившую название "Коллективные действия" (КД). Разделяя эстетические воззрения своихдрузей и, в первую очередь, лидера группы Андрея Монастырского, Алексеев все же ведет своюлинию в акционной практике КД, в большей степени основанную на визуальности, предметностидействия. Параллельно проводит индивидуальные акции. В отличие от метафизики и жесткойсценарной основы классических акций КД, акции Никиты Алексеева более лиричны, наполненыэкзистенциальным смыслом, в них всегда больше пространства для артистической импровизации.

Родилась в Москве в 1988 году. Художник и куратор.Окончила Свободные мастерские при Московском музее современного искусства (2012), Школуфотографии и мультимедиа имени А. Родченко (мастерская Алексея Шульгина и АристархаЧернышева, 2015), обучалась в Институте проблем современного искусства.Принимала участие и была со-организатором проектов «ФАРШ», «Арт-захват», курировалавыставку молодых художников в Фонде культуры «ЕКАТЕРИНА», активно работает, создаетобъекты в различных техниках, курирует групповые проекты.Марина – одна из тех авторов, кто представляет в Е.К.АртБюро молодое поколение художников.Работы, показанные на стенде, наверняка знакомы многим любителям современного искусства.Художница работает с темой памяти, и каждая ее работа вызывает в нас неожиданныевоспоминания из детства. Так «Геннадий» - это пластиковая игрушка, знакомая всем, кто засталперестроечные и постперестроечные годы. А «Книга» - скрупулёзно переписанные страницы изтех книг, которые попадали нам в руки в период взросления и становления личности. Еслизадуматься, то именно из таких мелочей и складываются воспоминания, и Марина Руденкоудивительно тонко умеет их подхватывать и переводить на язык искусства.